Familia Sumergida

«Película sobre una deriva individual pero también un retrato colectivo donde aparecen singulares personajes».— Quim Casa: El Periódico  «La clave de lectura principal de la película de Alché son los espacios, los que construimos, los que necesitamos para vivir y los que dejamos al morir: la tarea principal de la protagonista es vaciar el departamento de la difunta». —Esteban García de La Mata: Icónica «Si para [Fellini] el inconsciente podría parecerse a un circo de tres pistas, o a un cabaret extravagante, María Alche apuesta por registros más sutiles al abordar una crisis personal en su ópera prima. La mucho más marteliana que felliniana Familia sumergida, es dominada por la presencia de una Mercedes Morán que se presenta al espectador entre visillos antes de desvelar que en sus ojos se contiene toda la tristeza del mundo». —Jordi Costa:El País   «Esta película(...)nos habla de aquellos momentos en que lo único que queremos es a salir a tomar una bocanada de aire. La protagonista busca emerger para abrir la boca, abrir los pulmones y junto a ella decidir si quedarnos ahí flotando, o si inspiramos nuevamente para ir hasta donde están esos otros conocidos, y quizás terminar nadando en esa pecera querida y odiada, que es la propia familia». – Valeria Jauré: Culturizarte

  • «Película sobre una deriva individual pero también un retrato colectivo donde aparecen singulares personajes».— Quim Casa: El Periódico

     «La clave de lectura principal de la película de Alché son los espacios, los que construimos, los que necesitamos para vivir y los que dejamos al morir: la tarea principal de la protagonista es vaciar el departamento de la difunta».
    —Esteban García de La Mata: Icónica

    «Si para [Fellini] el inconsciente podría parecerse a un circo de tres pistas, o a un cabaret extravagante, María Alche apuesta por registros más sutiles al abordar una crisis personal en su ópera prima. La mucho más marteliana que felliniana Familia sumergida, es dominada por la presencia de una Mercedes Morán que se presenta al espectador entre visillos antes de desvelar que en sus ojos se contiene toda la tristeza del mundo».
    —Jordi Costa:El País 

     «Esta película(…)nos habla de aquellos momentos en que lo único que queremos es a salir a tomar una bocanada de aire. La protagonista busca emerger para abrir la boca, abrir los pulmones y junto a ella decidir si quedarnos ahí flotando, o si inspiramos nuevamente para ir hasta donde están esos otros conocidos, y quizás terminar nadando en esa pecera querida y odiada, que es la propia familia».
    – Valeria Jauré: Culturizarte

    • Palabras de la directora
      Los libros de idiomas nos enseñan frases que son el texto de un rol que aún no conocemos. Para manejarnos en un idioma extranjero, lo tenemos que actuar. Puede llevar semanas o meses hasta que un actor se apropia de su nuevo texto, y aún más hasta que un inmigrante se convence del nuevo rol que viene con su nuevo lenguaje. Esto me pasó a mí después de que me mudé de Alemania a Argentina en el 2009.

      Pensaba que nunca iba a ser parte de la multitud que forma esta sociedad, igual a Xiaobin que una vez me dijo: “Cuando estoy esperando en la parada del colectivo quiero parecerme a todos los demás. Cuando tenga dinero, voy a operarme los ojos y los cachetes”. Doy clases de alemán y en la escuela de idiomas conocí a Xiaobin. La primera vez que la vi estaba actuando en una obra de teatro que  resentaban los estudiantes chinos. Justo había empezado a estudiar español y le costaba gran esfuerzo decir simples frases. Toda su concentración estaba en el habla, su cuerpo solo hizo gestos mínimos. Su texto era ficticio, pero su habla era real, testimonio del conflicto que le producía su nueva ciudadanía, su nuevo lenguaje y el nuevo contexto. Era muy distinta a la actuación de actores no-profesionales que había visto hasta entonces. Pasamos por un proceso largo de ensayos, primero con Xiaobin, después con otros estudiantes chinos de la escuela de idiomas, para investigar este hablar ambiguo en el que se confunde la actuación de un lenguaje con la de un rol.

      Xiaobin tiene 18 años, está a un paso de la adultez y tiene que encontrar su yo argentino contra la voluntad de sus padres. Como una actriz que aprendió a enfrentarse con las azaroso de un nuevo rol, Xiaobin se enfrenta con lo nuevo sin miedo. Escribimos el guión en colaboración, en un proceso en el que ella se pudo poner a prueba, reinventarse. Como consecuencia, la película también incluye sus ideas del futuro, en diferentes variaciones. “El futuro perfecto” trata de la adaptación  de una extranjera a su nuevo mundo, y su condición de extranjera define su modo de actuación, la estructura dramática, el dispositivo fílmico.

      • Los viajes del viento es una singular road movie a través de la tierra de la música vallenata. Un viaje por regiones inexploradas, de geografía exuberante, una celebración de la música y las tradiciones más ricas de nuestro continente.

        “Esta es la historia de un viaje. Un viaje hacia el principio, hacia el espíritu, hacia nuestra alma. Hacia aquello que unió a nuestra raíz blanca, negra y nativa en algo único. Único como la música que de ahí surgió. Durante siglos nos hemos preguntado qué es lo que nos separa; ahora es tiempo de preguntar qué es lo que nos une. Eso que nos unirá a dos seres errantes, Ignacio y Fermín, vagabundos en busca de algo que necesitan, pero que desconocen. Que nos llevará junto a ellos a descubrir nuevos mundos, nuevas aventuras, nuevas almas. Todo contado con el esplendor de una tierra, nuestra tierra, aún desconocida por nosotros mismos, como telón de fondo. Y al final, el principio. Y otro viaje más”.

         

        Ciro Guerra, Director

        • «El director argentino Matías Piñeiro ha desarrollado una inclinación constante a tomar prestado de uno de los dramaturgos de la historia, de no menos que de William Shakespeare, e incluso aporta una sensibilidad confiada que amplia las fronteras del texto original hacia direcciones refrescantes».
          – Eric Kohn:Indiewire

          «A pesar de todo el peso romántico o shakesperiano que se le suele dotar a su narrativa, ésta va más en función de las resonancias que pueda tener un deseo o cualquier sentimiento humano sobre otro. Pongámoslo así, para Piñeiro era más funcional que distintos personajes giraran en torno a uno, a través de uno o más sentimientos. Es pues, la concepción de una estructura formal el punto de partida del filme».
          – Juan Pablo Villalobos: Cinegarage

          «Con La princesa de francia, Piñeiro se acerca a Shakespeare por el lado de la palabra (. . .) tomando como base el texto del dramaturgo, vuelve a trazar una cartografía perfecta y nada lineal de las relaciones sentimentales en un relato repleto de melancolía sentimental y fuerza narrativa».
          – Otros Cines Europa

          «La princesa de Francia tiene, a diferencia de las anteriores películas de Piñeiro, una suerte de forma musical, combinando sueños, aparentes reiteraciones que no son tales, y una cantidad de idas y vueltas en los los movimientos de los personajes que transforma el todo en una gran coreografía de voces, rostros y cuerpos».
          – Diego Lerer: Micropsia

          • «La fascinante historia de la joven, porque sin duda lo fue y vale la pena escucharla, se mezcla constantemente con los procesos de creación que sufre el documentalista en primera persona. Un trabajo de montaje bien elaborado donde las historias crecen, se resisten y se construyen».
            — Marcela Barbaro: El espectador imaginario

            «Encontrar un tema o una historia extraordinaria es un buen punto de partida para hacer un documental valioso. La capacidad para volcar todo ese material a un filme, mediante una puesta escena creativa e inteligente, es la otra pata de un proyecto exitoso. El director argentino José Luís García halló ambas cosas y logró un filme meritorio».
            — Jorge Halaban: Comentando Cine

            «Tras los pasos de la enigmática y esquiva Su-kyung, los recuerdos de García no sólo lo conducen a pisar de nuevo tierras coreanas –esta vez del lado sur– y desmarcar de paso su propuesta de todo tono ideológico: convierten a su documental en un absorbente viaje personal, inteligente compulsivo y quijotesco».
            — Gustavo E. Ramírez Carrasco

            • «En su nueva película, Matías Piñeiro mueve gran parte de su historia y sus personajes principales a Nueva York creando nuevas dinámicas en su universo cinematográfico. La conexión con la obra Shakespeare continúa, pero de una manera más lateral y sorprendente».
              – Diego Lerer: Micropsia

              «Ver Hermia & Helena de Matías Piñeiro es tratar de eludir la inevitable cartografía del recuerdo. Es volver sobre los pasos andados y después tratar de borrar las huellas. Como cuando Hernán Cortés quemó las naves en Veracruz y por unos meses eliminó para su tropa toda posibilidad de regreso, así los personajes de Piñeiro queman postales, regalos, relaciones. Quieren olvidar el pasado para trazar una nueva ruta, pero no pueden».
              – Carlos Andrés Torres Cabrera: Icónica

              «Tal vez, su mayor logro es la traducción/reflejo que hace de su generación (. . .) Tiene aquí su retrato una generación hiper-conectada, con uniformidad de intereses, que pareciera sincronizar al mundo mientras pretende ignorarlo. Y sin embargo, el inconveniente de la traducción es que no deja de ser en parte un engaño. Jamás una lengua podrá decir lo que otra con la exactitud que implica su contexto y en algún momento sería inevitable decantarse por una versión. En la búsqueda de similitudes se resaltan también las diferencias y en ocasiones el peso de éstas es tan grande que nos hace caer de un solo lado».
              – Eduardo Cruz: Correspondencia

              • La más reciente película del realizador Mauro Andrizzi, director del documental experimental Iraqi Short Films (estrenado en México el año pasado) se presenta en México después de un largo y exitoso recorrido por festivales internacionales de cine como el de Venecia en el 2010, en donde se hizo acreedora al Queer Lion Award, y de la primera edición del Festival  Internacional de Cine UNAM (FICUNAM), donde hace parte de la “Competencia Internacional de Largometraje”.

                • «Retjman logra una película hipercalculada, de una extraña belleza y lirismo. Las atribuladas critaturas de su cine, el malestar que arrastra cada una de ellas, no alcanzan a enturbiar un relato lleno de recovecos, desprendimientos y sopresas. Elige tu propia aventura».
                  – Diego Batlle: Oros Cine

                  «La más nueva película del director argentino es una comedia con tonos serios, excéntrica que nos presenta una serie de historias entrelazadas. Rejtman es una voz importante en el cine de Argentina y Dos disparos es consistente y sin recatos».
                  – Film Capsule

                  «La primer película de Rejtman en una década es una comedia fascinante y digresiva con el peso de una novela existencialista. El director nos cuenta la historia con compasión y formal atrevimiento, yendo y viniendo entre relatos».
                  – Film at Lincoln Center

                  • «Entre marcas falsas y juegos inciertos, M.P. intenta demostrar que la historia también puede ser mirada desde un diario de viajes.
                    Film-rompecabezas con pluralidad de sentidos, citas históricas y cinéfilas, diálogo permanente y proposiciones estéticas que remiten muy frontalmente a la influencia de J.L. Godard pero también (curiosamente en un director tan joven), al cine de Jean Renoir, a quien se cita no sólo por su film «Helena y los hombres» sino en la mirada satírica (no feroz pero sí sagaz) que tiene la película sobre la política, la historia y el amor, siempre jugando entre la representación y la realidad. Un cine interesante pero solamente para circuitos reducidos».

                    — Adela Hache: Film Affinity

                    «Todos mienten es el segundo largometraje de Matías Piñeiro, tras su estreno con «El hombre robado» de 2007. En la que nos ocupa, de una premisa inicial aparentemente sencilla -una quinta de amigos en una casa- nace una historia que habla sobre el comportamiento humano y que profundiza muy a fondo en los personajes. A destacar las actuaciones de Romina Paula, metida de lleno en un papel muy misterioso, y Pilar Gamboa».
                    — ABC

                    • Imagen: VIOLA

                      VIOLA

                      «Pocos directores varones han demostrado una sensibilidad tan particular para sumergirse en la intimidad del mundo feminino, ya sea en un camarín o dentro de un auto con el invierso desolador de fondo(. . .)con un impecable trabajo del fuera de campo, con el encanto de unos personajes que disfrutan de divagar o de plantearse enigmas por momentos absurdos, Piñeiro va moldeando -en apenas una hora- unrelato fascinante y embriagador».
                      –– Diego Batlle: Otros Cines

                      «Viola es un punto clave del cine argentino hoy: un nodo de gracia y sutileza, de revalorización del diálogo, de construcción sólida de situaciones. Un ejemplo de claridad para construir personajes, para entender los bordes filosos de sus personalidades como lugares de entrada para los pequeños temblores e inestabilidades que ponen en circulación el amor o su búsqueda. Un cine resplandeciente, seguro y estable para mostrar el movimiento y las dudas que generan los más encantadores pliegues del deseo».
                      –– Javier Porta Fouz: La Nación

                      «Presentando una fotografía elegante que captura la belleza urbana de Sudamérica y de la jóvenes mujeres que aparecen en la pantalla, la película, traviesamente, explora la conexión entre la realidad y el artifico».
                      –– Frank Schek: The Hollywood Reporter

                      «Cuando muchos directores que toman inspiración de Shakespeare se basan en sus dramas, el argentino ha descrifrado la clave cinemática de sus comedias, revelando el artificio para el disfrute, y para, tal vez, enseñarnos, a lo largo de las eras, algo acerca de vivir y trabajar enamorados».
                      –– Chris Luscri: Senses of Cinema