It Must Be Heaven

    • Imagen: Faust

      Faust

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      “If Faust manifests something, is Bussmann’s acute and assertive way of creating stories, which establishes a beautiful conversation between dialogue and images.”
      —El espectador imaginario

      “The shadowed border between human and non-human perception is one of Fausto’s sustained topics of interrogation.”
      —Peter Goldberg: Slant Magazine

      “Fausto puts a striking and abstract spin on a familiar fable.”
      —Kevin Ritchie: Now Toronto

      “In Bussmann’s film, and the anthropological cinema to which it loosely belongs, the limits of human perception are tied up with the gaps in rigid, supposedly “objective” colonial belief systems.”
      —Josh Cabrita: Cinema Scope 

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        «Hay una idea estimulante en el seno de Historias de dos que soñaron. En ella el cine se expone como elemento redentor, que otorga piedad ante la dura realidad, y que es capaz de transformar lo cotidiano en una aventura sólo posible en los terrenos de la ficción».
        – Yago Paris: Insertos de Cine

        Resalta el trabajo realizado alrededor del lenguaje, pues hay una plasticidad intrínseca en la fonética del idioma lejano puesta en juego. Los directores toman la voz del jefe de la familia para explicarnos la propuesta y crean un desfase entre diálogos y subtítulos; en un par de momentos es claro que se nos niega la posibilidad de leer lo que escuchamos, y en algún otro se suprime por completo el texto, ocultando información lingüística que, empero, contribuye a que entendamos mejor».
        – Eduardo Cruz: Correspondencias

        «Huyendo del documental de observacion, y abrazando una suerte de etnografía experimental, Bussman y Perdea inventan historias con los protagonistas, escuchan las que ellos cuentas, o les siperponen las que ellos imaginan, en una película de capas, viajes inacabados y procesos de transformación: metamorfosis en permanente tránsito (con Kafka en la lejanía)».
        – Otros Cines Europa

        • Imagen: Tempest

          Tempest

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          «Es una asamblea artística y lírica. Al cortar el audio de la imagen, así como al filmar a desconocidos en vez de a las protagonistas, Huezo crea la noción de que ‘lo que le pasó a Myriam, le puede pasar a cualquiera que viva en México actualmente’».
          – Ken Jaworowski: The New York Times

          «Si algo se puede remarcar de Tempestad , la intimísima crónica a dos voces del vacío y la desesperanza de un país sumido en la confusión y el miedo, es una suerte de belleza caústica extraída ente el esplendor de las ruinas».
          – Gustavo E. Ramírez Carrasco: Icónica

          «Las palabras de las mujeres recorren la película como heridas reabiertas. Están sobrepuestas en imágenes que le brinda una resonancia poética al pasos de la historia. Las tormentas salvajes que le otorgan a la película su título evocan una potente metáfora visual a lo largo de las imágenes. Gente como Adela y Miriam quedan indefensas ante la cara de la corrupción que resulta tan incesante como como indiferente como dicha fuerza de la naturaleza».
          – Wendy Ide: The Guardian

          «¿Qué tipo de sublimación de la violencia encontramos en el documental de Tatiana Huezo? Narración testimonial, el dolor y el miedo de una sociedad rota, palabras imposibles de decir en la experiencia política directa y siempre encubiertas por el negacionismo de la narración política dominante; pero también reconocimiento de seres humanos concretos y de metáforas cuya dureza no radica en su realismo sino en la evocación de universos paralelos, apocalípticos».
          – Gustavo Ogarrio: La Jornada

          • Imagen: Fogo

            Fogo

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            «Este retrato de la vida rural dirigido por Yulene Olaizola posee una infinita capacidad de observación y tratamiento sutil en la descripción de ese inmovilismo geográfico y de los motivos que llevan a esos seres siniestros a cerrarse en banda frente al desconcertante avistamiento del exterior. Su conservadora narrativa y su escrupulosa puesta en escena, predominante al minimalismo de orfebrería, otorgan un estatus de implicación con ese anacrónico relato sobre el paso del tiempo y su latente amenaza hacia aquellos que no parecen preocuparse por él, ante la soberbia y la austeridad latentes».
            — F.J Guerrero: Cine Maldito

            «La narrativa está estructurada al rededor de la ausencia y el vacío. Se apunta seguido en dirección a la muerte. Es acerca de la soledad y la desesperanza. Un ejemplo excelente del cine “lento”».
            — Nadin Mai: The Art of Slow Cinema

            «Lo mejor de la película es la fotografía y el juego que realiza la directora al comparar Fogo con los habitantes de la isla, el detenerse en los detalles áridos del lugar, en los rostros enjuntos, en la soledad del paisaje y en la aún más mortal soledad de aquellos no están solos».
            — Irving Torres Yllán: CineNT

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              «Con el director, actor y guionista Alex Ross Perry como conductor de esta nave de los locos milenarista, insólita y paródica, La última película es una suerte de manifiesto descreído, anticultural, divertido y ácido sobre el cine como actividad que se desinstala y se desintegra, y en cualquier caso sale de cauce de los marcos tradicionales».
              – Kekena Corvalán:Leedor

              • Imagen: Togeher

                Togeher

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                «Ya sea por la manera de explorar el tiempo, ya por su rotunda negación a emplear los esquemas del cine predominante o por sus temáticas arrancadas de la realidad más común, lo cierto es que el cine de Nicolás Pereda difícilmente deja indiferente al público».
                — Ignacio del Valle: Blog de Cine Latinoamericano

                • Imagen: Minotaur

                  Minotaur

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                  «La película de Pereda está permeada por una entrañable nostalgia que remonta principalmente
                  a los libros y aun período muy específico que, tal vez Pereda tema se esté perdiendo».
                  – MICHAEL SICINSKI: Cinema Scope

                  «Cabría decir que este cine de Nicolás Pereda dialoga con sus espectadores en torno a temas tan importantes como son la sensación de apatía que pueda tener una parte de las generaciones nuevas, una marcada infantilización con un largo camino hasta llegar (o no) a la adultez en muchos casos, el concepto de interrelación e inclusive de solidaridad entre las personas, y la puesta en tela de juicio del modelo mismo de urbanidad que hemos heredado».
                  – José Luis García: Cinestel

                  «Reflexionando, se puede decir que Minotauro, es como tal una obra que muestra lo desagradable e incómodo que es el ser humano en su cotidianeidad y a la vez muestra una irónica relación entre los pensamientos y sentimientos con las acciones».
                  – Viridiana Morales: Neopulp

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                    «En una especie de síntesis de la filmografía de Pereda (Ciudad de México, 1982), El palacio da un giro de 180 grados para brindar un cariz que, aunque se había manifestado con anterioridad en su trabajo, nunca lo había hecho con tal grado de protagonismo. El director mexicano ha encontrado un rumbo diferente que con mucha probabilidad ofrecerá resultados sugestivos».
                    – Abel Cervantes: Icónica

                    «Este mediometraje que no deja a nadie indiferente, donde se muestran diecisiete mujeres que están viviendo juntas bajo difíciles circunstancias haciendo las tareas de una casa. Desde el principio, el espectador se preguntará qué están haciendo juntas en ese lugar durante una primera parte en la que apenas hay diálogos (¿esperan a los maridos? ¿es una prisión quizá?). El filme también propone una reflexión sobre los abusos en el ámbito laboral, los patronos que se niegan a pagar dignamente, los trabajadores que no se esfuerzan (o sí) por reclamar sus derechos en pro de su dignidad».
                    – José Luis García: Cinestel

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                      « El cuarto prohibido resulta en un trance agobiante, un balcón sin asideros que se asoma directamente al desconcierto, pero cuyo arrojo autoral, estético y estructural se aleja de manera fascinante de cualquier otra película de [ese] año, o de cualquier otro».
                      – Sergio Huidobro: Icónica

                      «El cuarto prohibido es una matryoshka cinemática de relatos dentro de más relatos. Relatos de cuevas y nieve, de doppelgangers, de demonios y dioses de dos caras, de sacrificios volvánicos y parejas mosntruosas, de cirujía cerebral y locura».
                      – Mark Kermode: The Guardian

                      «No hay nada ordinario en El cuarto prohibido (. . .) es el tipo de opus que derrite mentes que se puede esperar de Guy Maddin, cuya colaboración con Evan Johnson merece la insignia de una de las películas más extravagatemente bizarras jamás hecha».
                      – Tim Robey: The Telegraph

                      «Aún hay sitio para el cine de vanguardia, y así es como Guy Maddin ha seguido afianzando el estatus de director de culto con personalidad irrenunciable ante el asombro de algunos y la incomprensión de muchos. Pues bien, “The Forbidden Room” podríamos señalarla como la cima de su inclasificable obra hasta la fecha, un épico mind-blowing que eleva al cubo su radical y transgresora esencia, cuyo objetivo no es otro que honrar el cine mudo y clásico perdido. Cine, arte y descaro, en estado único, febril y desbocado, pero ante todo puro».
                      – Joan Sala: FilmIn