“The whole film is gorgeous to look at, at any rate, with Jacqueline Abrahams’ production design poised between realistic sets littered with amusing vintage objects and unnaturally spare hospital wards. A dreamy feeling emanates from DP Lorenzo Hagerman’s muted browns and greens and soft focus. All the clues are there that Alverson and his co-screenwriters Colm O’Leary and Dustin Guy Defa are after bigger game than spoofing 1950s America.”
– Deborah Young : Hollywood Reporter
“Rick Alverson’s beautiful, often inscrutable new film takes a stand for eccentricity in a complacent suburban nightmare.”
– Guy Lodge: Variety
“Alverson leave very little room for serenity, bare compassion and affection gestures whose intensity and nakedness remind us of the great masters of trascendental cinema: Robert Bresson or Carl Dreyer. Fleeting halo lights amidst the heart of tragedy: the most devastating movie this critic has seen in a very long time.”
– Manu Yañez : Fotogramas
“A proposal as magnetic as it is immersive and captivating (…) this laberynth is just perfect.”
– Luis Martínez : El Mundo
«Este documental, que inicialmente iba a dirigir Scorsese, resulta una exhaustiva investigación sobre la infancia y la juventud del mito, y también un mirada crítica a su papel en la vida política de Jamaica, más importante de lo que hasta ahora sabíamos».
— Salvador Llopart: La Vanguardia
«El documental de Kevin MacDonald es música, política, pasión, amistad, sexo, autenticidad, pero, sobre todo, es Marley, complejo ser humano más allá de una suma de partes».
— Javier Ocaña: El País
«La sobredosis de información de la primera hora de metraje es perturbadora y, en su mayor parte, inútil. Su obsesiva atención al detalle condena la película a la superficialidad».
— Sergi Sánchez: La Razón
LEVIATHAN / LEVIATÁN
Francia-Reino Unido-Estados Unidos / 2012 / 87′ / color / inglés / formato de proyección:
DCP
Premier Mundial: Festival del Film Locarno 2012
Premier Norteamericana: Toronto International Film Festival 2012
FICUNAM 2013: Puma de Plata a Mejor Película
Ambulante Gira de Documentales 2013
“Visceral and intense. Captures a world in a way no one has before.”
‒ Steve Dollar, Wall Street Journal
Director: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
Productor(es): Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
Compañía productora: Arrête Ton Cinéma
Fotografía: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
Edición: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
Sonido: Ernst Karel, Jacob Ribicoff
Música: Ernst Karel
“A gorgeous, atmospheric documentary.”
‒ David Fear, Time Out NY
Sinopsis
ʻLeviatánʼ es un viaje alucinante por las atmósferas, texturas y ritmos que se experimentan a bordo de un barco pesquero. Filmado con diminutas cámaras adheridas a personas, objetos y peces, Leviatán logra construir un relato subjetivo, descentrado y errante que hace de la ordinaria tarea de la pesca en alta mar una experiencia impresionante. A través del uso del alto contraste y extraordinario diseño sonoro, la película nos invita a sentir el agua, el viento, la materia de la que están hechos los peces y moluscos, la sensación salina del mar, el vértigo de las olas. La cámara plantada en lugares inusuales evoca el punto de vista de peces, aves y objetos generando un relato terrorífico y fantasmagórico sobre la belleza y la furia marina. (CL)
Biografía:
Lucien Castaing-Taylor
Liverpool, 1966. Profesor de Artes Visuales y Antropología en Harvard. Codirigió el
documental Sweetgrass (2009) con Ilisa Barbash. Sus obras de audio y video incluyen:
Hell Roaring Creek (2010), The High Trail 20(10), Coom Biddy (2012) y Bedding Down
(2012). Leviathan (2012) es su última película.
Véréna Paravel.
Neuchâtel, Suiza. Cineasta y antropóloga. Ha realizado los videos cortos 7 Queens
(2008) e Interface Series (09‒10), este último filmado en su totalidad con Skype. Su
película debut, Foreign Parts (2010), una colaboración con J.P Sniadecki, ganó Best
First Feature y un Premio Especial del Jurado en el Locarno Film Festival. Leviathan
(2012) es su película más reciente.
“Visually ravishing. Leviathan is in every way sensational.”
‒ J. Hoberman, Artinfo
«Un atractivo homenage cinemático a una bada única, a una ciudad orgullosa y
al poder unificante de la música pop. El regreso de la banda a los escenarios se siente como una vuelta triunfal y la película de Habitch ciertamente captura ese sentimiento».
– Stephen Dalton: The Hollywood Reporter
«La película sobresale en la manera en la que encuentra nuevas formas de mostrar como es que la música de Pulp se infiltra en los cimientos de su tierra natal a lo largo de varias generaciones. No es el típico documental de rock ya que Pulp es lo más alejado a una banda convencional, y eso es lo que lo hace funcionar».
– Rhian Daly: NME
«Es un mosaico emocional, con sentimientos que no siempre surgen de la música de la banda, pero editado de tal manera que lo hace parecer así. Es un filme que apela a los oídos que están conectados al corazón. Es decir, es un trabajo muy ad hoc al tono melodramático de las canciones que le sirven de soundtrack».
– Sofia Ochoa Rodríguez
«Pulp: Pulp: Una Película Sobre la Vida, la Muerte y Supermercados no es del todo un documental, sino una amalgama de piezas que fueron colocadas en estricto orden para formar una historia en torno a lo que representa Pulp en su ciudad natal».
– Emmanuel Gutiérrez: Chilando
Harmony Korine. Más conocido por Gummo (1997), su impactante debut como
director y por ser el guionista de las películas Kids (1995) y Ken Park (2002) de Larry Clark, Korine es considerado uno de los directores de culto más admirados de la escena independiente norteamericana y mundial, no solo por el público sino por cineastas de la talla de Werner Herzog.
Harmony Korine cuenta con gran número de admiradores en México. Su tercer
largometraje de ficción, Mister Lonely, fue protagonizado por Diego Luna y fue muy bien recibido por el público local. Diego Luna interpretó en aquella ocasión el papel de un imitador de Michael Jackson que se enamora de una imitadora de Marilyn Monroe.
Además de dirigir películas, Harmony Korine es escritor y artista visual. Ha dirigido videos musicales para grupos como Sonic Youth, Cat Power y Bonnie Prince Billy; trabajando también de cerca con artistas de la talla de Bjork y Rita Ackermann.
Con TRASH HUMPERS, Korine traspasa las barreras formales y temáticas de sus anteriores trabajos, de por sí ya polémicos, demostrando una vez más su gran talento y audacia artística, que le han valido un importante lugar en la historia del cine contemporáneo.
Palabras del director:
“Recuerdo que cuando era niño había un grupo de ancianos que se reunían a pasar el rato en los callejones oscuros y debajo de los puentes cercanos a mi casa. Siempre estaban embriagándose y bailando. Una noche miré por la ventana de mi cuarto y vi a un grupo de estos ancianos fornicando con unos botes de basura y riéndose.
Parecían estar hablando un idioma extraño e inventado por ellos mismos. Esta
película es acerca de ellos.”
“Es éste uno de los filmes más o menos recientes que introducen la referencialidad y el metalenguaje de una forma más interesante. Una de las voces más atractivas del nuevo cine europeo, el británico Peter Strickland (“Katalin Varga”, “The Duke of Burgundy”) rinde en ella homenaje algiallo. Pero lo hace de una forma particular. En vez de limitarse a reproducir las constantes argumentales y estéticas del cine de terror italiano de los 70, busca una estimulante alternativa.”
— Desirée de Fez: Fotogramas
“Su radicalidad la convierte en algo único: Strickland mantiene en perpetuo fuera de campo la película que sonoriza el personaje encarnado por Toby Jones, renunciando así –por lo menos en parte- al barroquismo visual de Bava y Argento con el fin de describir ese particular descenso a los infiernos a través de la abstracción. Hay en la película una constante fusión y confusión de espacios, excéntricas notas de humor al detallar la cocina sonora del giallo y un tenso pulso dramático entre ascetismo y lubricidad que culmina en un clímax conceptual sabiamente desquiciante”.
— Jordi Costa: El País
“Barberian Sound Studio, más allá de su trama y su homenaje cinéfilo al giallo, funciona como una metodología meticulosa sobre la construcción poética del sonido en el cine”.
— Roger Koza: La voz del interior
“Hacer que las películas sean -o parezcan- un todo implica la suma de cientos de pequeñas partes y la combinación de de muchos trabajos específicos. Berberian Sound Studio se toma el trabajo de deconstruir ese proceso, y, en el interín, desarmar mentalmente a su protagonista, al género y al espectador también”.
— Diego Lerer: Micropsia Cine