It Must Be Heaven


      • “The whole film is gorgeous to look at, at any rate, with Jacqueline Abrahams’ production design poised between realistic sets littered with amusing vintage objects and unnaturally spare hospital wards. A dreamy feeling emanates from DP Lorenzo Hagerman’s muted browns and greens and soft focus. All the clues are there that Alverson and his co-screenwriters Colm O’Leary and Dustin Guy Defa are after bigger game than spoofing 1950s America.”

        – Deborah Young : Hollywood Reporter

        “Rick Alverson’s beautiful, often inscrutable new film takes a stand for eccentricity in a complacent suburban nightmare.”
        – Guy Lodge: Variety

        “Alverson leave very little room for serenity, bare compassion and affection gestures whose intensity and nakedness remind us of the great masters of trascendental cinema: Robert Bresson or Carl Dreyer. Fleeting halo lights amidst the heart of tragedy: the most devastating movie this critic has seen in a very long time.”
        – Manu Yañez : Fotogramas

        “A proposal as magnetic as it is immersive and captivating (…) this laberynth is just perfect.”
        – Luis Martínez :  El Mundo


        • “Visually forceful and narratively understated, the verité-influenced film leans hard on its lush black and white cinematography in its attempt to offer a poetic snapshot of African-American life in the Deep South.”

          —Ben Croll: Indiewire

          “Shot with grace and sensitivity in black and white using available and natural light, What You Gonna Do is a visual treat, the easiest on the eye of all the director’s films to date. It is also, for all its unevenness, a stirring, committed portrait of black lives at a crossroads in the American South.”
          —Lee Marshal: Screen Daily

          “A passionate sketch dedicated to the black lives based on the south highways in Northamerica.”
          —Screen Daily

          • “A tribute to memory’s lucidity. To the memory of faces and places, endearing movies, terroirs and tireless frecuented cities, lengthy friendships and lost loves (…) a formidable documentary.”
            – Carlos Bonfil: La Jornada

            “Road movie documentary (…) a joyful celebration of the urge to create art and the duty to celebrate life.”
            – Allan Hunter: Screendaily

            “A happy movie, but also melancholy (…) it contains a humanist gesture, a certain sweetness that urges us to keep faith in cinema as a luminous guide in dark times.” – Manu Yáñez: Fotogramas”A happy movie, but also melancholy (…) it contains a humanist gesture, a certain sweetness that urges us to keep faith in cinema as a luminous guide in dark times.”
            – Manu Yáñez: Fotogramas

            “Charming (…) Agnès Varda, in the glory of her golden years, has become a humanist magician (…) “Visages Villages” makes a powerful statement about the kind of society we’re becoming.”
            – Owen Gleiberman: Variety

            • “A shocking and risky film that explores, through horror and science fiction, without giving up the social comentary on the contemporary mexican society, homophobia, machismo, gender violence, and indiference.”
              — Javier Pérez: CinePremiere.

              “Ecstasy and agony, Aros and Thanatos as the two drivind forces of the universe that within The Untamed are fulled with a grandious expressive potence.” 
              — Beatríz Martínez: El País 

              “This sly and subversive allegorical body horror from the Mexican director of Heli is about the universal drives and addictions that power us all through lifeThis sly and subversive allegorical body horror from the Mexican director of Heli is about the universal drives and addictions that power us all through life.”
              — Peter Bradshaw: The Guardian

              “By rooting the story so firmly in the everyday, Escalante emphasises his metaphoric intent – the thing in the barn stands for the untameable erotic aspect of the Id, but the ‘wild region’ alluded to in the film’s Spanish title (La Region Salvaje) is the destructive drive of humanity, embodied in Angel’s machismo and in the guns and animal head trophies that fill his parents’ home.”
              — Jonathan Romney: Screendaily

              • LEVIATHAN / LEVIATÁN
                Francia-Reino Unido-Estados Unidos / 2012 / 87′ / color / inglés / formato de proyección:
                DCP
                Premier Mundial: Festival del Film Locarno 2012
                Premier Norteamericana: Toronto International Film Festival 2012
                FICUNAM 2013: Puma de Plata a Mejor Película
                Ambulante Gira de Documentales 2013
                “Visceral and intense. Captures a world in a way no one has before.”

                ‒ Steve Dollar, Wall Street Journal

                Director: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
                Productor(es): Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
                Compañía productora: Arrête Ton Cinéma
                Fotografía: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
                Edición: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
                Sonido: Ernst Karel, Jacob Ribicoff
                Música: Ernst Karel

                “A gorgeous, atmospheric documentary.”
                ‒ David Fear, Time Out NY

                Sinopsis

                ʻLeviatánʼ es un viaje alucinante por las atmósferas, texturas y ritmos que se experimentan a bordo de un barco pesquero. Filmado con diminutas cámaras adheridas a personas, objetos y peces, Leviatán logra construir un relato subjetivo, descentrado y errante que hace de la ordinaria tarea de la pesca en alta mar una experiencia impresionante. A través del uso del alto contraste y extraordinario diseño sonoro, la película nos invita a sentir el agua, el viento, la materia de la que están hechos los peces y moluscos, la sensación salina del mar, el vértigo de las olas. La cámara plantada en lugares inusuales evoca el punto de vista de peces, aves y objetos generando un relato terrorífico y fantasmagórico sobre la belleza y la furia marina. (CL)

                 

                Biografía:
                Lucien Castaing-Taylor
                Liverpool, 1966. Profesor de Artes Visuales y Antropología en Harvard. Codirigió el
                documental Sweetgrass (2009) con Ilisa Barbash. Sus obras de audio y video incluyen:
                Hell Roaring Creek (2010), The High Trail 20(10), Coom Biddy (2012) y Bedding Down
                (2012). Leviathan (2012) es su última película.
                Véréna Paravel.
                Neuchâtel, Suiza. Cineasta y antropóloga. Ha realizado los videos cortos 7 Queens
                (2008) e Interface Series (09‒10), este último filmado en su totalidad con Skype. Su
                película debut, Foreign Parts (2010), una colaboración con J.P Sniadecki, ganó Best
                First Feature y un Premio Especial del Jurado en el Locarno Film Festival. Leviathan
                (2012) es su película más reciente.
                “Visually ravishing. Leviathan is in every way sensational.”

                ‒ J. Hoberman, Artinfo

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                  En su segundo largometraje, el director israelita ofrece una reflexión sobre el papel de la poesía y el arte en una sociedad que parece ya no estar interesada en ellas.

                  Inquietante mirada a la relación de una profesora de kínder y su párvulo Yoav, niño prodigio capaz de crear poemas a partir de misteriosos trances de inspiración que, una vez transcurridos, lo regresan a su vida de juegos y placeres inocentes. Nira, la maestra de Yoav, madre de familia y poetisa sin gran reconocimiento, descubre la posibilidad de estimular el talento innato del infante, embarcándose en una carrera contra la sociedad patriarcal y consumista que los subyuga, alcanzando perturbadores desenlaces.

                   

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                    «Evidentemente es la historia de una infancia difícil, como muchas, signada por el egocentrismo de los padres, devenido en indiferencia y ridiculez. Timidez valiente, niñez adulta, confusión de roles, aprendizaje de un mundo incomprensible desde la candidez infantil y una hipocresía que puede resultar familiar».
                    – El Clarín

                    «La directora italiana Asia Argento elige mirar desde Aria, desde su diario íntimo repleto de dibujos, deseos, figuritas y sentimientos. De hecho, esa elección le permite jugar con cierta ambigüedad del título: por un lado, desde el punto de vista de una niña que se siente despreciada por su familia, por sus compañeros de clase, por el chico que le gusta y, al final, incluso por su mejor amiga; por otro, desde la ingenuidad propia de la infancia».
                    – Brenda Caletti: Cineramaplus

                    «La película captura la pasión con la que se desarrollan las amistades femeninas de la adolescencia: hay muchas risas, bromas y declaraciones sin fin que revelan la eterna naturaleza de los lazos que se forman (. . .) Pero lo mejor de todo es que la película no es solo una pieza más del molde, si no que, formada por sus cuestiones específicas, es entretenida y forma caracter por su propio mérito. El respeto que le muestra la película a la persona de Aria, incluso desde su infancia, le otorga un elemento más profundo que a las otras de el ya muy visto género de “coming of age”».
                    – Jessica Kiang: Indiewire

                    • Imagen: Paterson

                      Paterson

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                      «Jarmusch habla no con ideas sino a través de los objetos» para asegurarle al estómago algo que importa en su universo icónico: el gusto viene de saborearse, de saber y sabor, de probar con los sentidos a las cosas y luego, en este caso, llevarlas al plano cinematográfico, a la degustación, como lo ha hecho en tantos años de gestos y sabores, café y cigarrillos, para que sus personajes logren mantenerse con vida a través de la rutina.»
                      – Carlos Rgó: Revista Incónica

                      «El vivir nuestro de cada día, el milagro de lo cotidiano y el arte poético se conjugan en un filme simple pero hermoso».
                      – William Venegas: Nación

                      «Paterson, su película más lograda en mucho tiempo y uno de sus proyectos más celosamente personales, está financiada por los Amazon Studios de Jeff Bezos, recién coronado como la persona más rica en el planeta; una paradoja más que echa leña a la encendida polémica entre el cine de estudios tradicionales y el cine impulsado por compañías online».
                      – Sergio Huidobro: CinePremiere

                      «En una de sus mejores películas de tiempos recientes, Jim Jarmusch plantea un juego de cajas chinas entre el personaje de la cinta, la ciudad donde transcurre y el homenaje al poeta WIlliam Carlos Williams. Es una historia simple que no se aleja del estilo del director, un cine de lo esencial compuesto de gestos mínimos, diálogos breves e imágenes contundentes, con un tono característico de humor seco».
                      – Fernanda Solórzano: Letras Libres