The Mountain

"The whole film is gorgeous to look at, at any rate, with Jacqueline Abrahams’ production design poised between realistic sets littered with amusing vintage objects and unnaturally spare hospital wards. A dreamy feeling emanates from DP Lorenzo Hagerman’s muted browns and greens and soft focus. All the clues are there that Alverson and his co-screenwriters Colm O’Leary and Dustin Guy Defa are after bigger game than spoofing 1950s America." – Deborah Young : Hollywood Reporter "Rick Alverson's beautiful, often inscrutable new film takes a stand for eccentricity in a complacent suburban nightmare." – Guy Lodge: Variety "Alverson leave very little room for serenity, bare compassion and affection gestures whose intensity and nakedness remind us of the great masters of trascendental cinema: Robert Bresson or Carl Dreyer. Fleeting halo lights amidst the heart of tragedy: the most devastating movie this critic has seen in a very long time." – Manu Yañez : Fotogramas "A proposal as magnetic as it is immersive and captivating (...) this laberynth is just perfect." – Luis Martínez :  El Mundo


  • “The whole film is gorgeous to look at, at any rate, with Jacqueline Abrahams’ production design poised between realistic sets littered with amusing vintage objects and unnaturally spare hospital wards. A dreamy feeling emanates from DP Lorenzo Hagerman’s muted browns and greens and soft focus. All the clues are there that Alverson and his co-screenwriters Colm O’Leary and Dustin Guy Defa are after bigger game than spoofing 1950s America.”

    – Deborah Young : Hollywood Reporter

    “Rick Alverson’s beautiful, often inscrutable new film takes a stand for eccentricity in a complacent suburban nightmare.”
    – Guy Lodge: Variety

    “Alverson leave very little room for serenity, bare compassion and affection gestures whose intensity and nakedness remind us of the great masters of trascendental cinema: Robert Bresson or Carl Dreyer. Fleeting halo lights amidst the heart of tragedy: the most devastating movie this critic has seen in a very long time.”
    – Manu Yañez : Fotogramas

    “A proposal as magnetic as it is immersive and captivating (…) this laberynth is just perfect.”
    – Luis Martínez :  El Mundo

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      “It is a movie about gay experience, it is not about migration, but about displacement, about forgetfulness, memory and reconstruction, global and deeply human topics. The characters in the movie end up meeting in the middle at some point but in reality, it is a history with no end.”

      —The director for Encuadres

      “Exile, identity and sexuality, a triage of elements that are mixed in the character of Ramin, an iranian migrant who lands in Veracruz harbor, a place of transference/transit/transport for a character that is  not only running away from his demons, but also from the problematic reality of being gay in the middle east; the search for the embrace of an identity that welcoms his true self.”

      —José Emilio Sarmiento: Panorama

      “The topic of marginalization born out of facism and violent contexts, in which, one way of another, the “fireflies” (from Pasolini’s essay) manage to comunicate insided the shadows where they were exiled to.”

      — Matt Micucci: Gay Essential 


      • “Visually forceful and narratively understated, the verité-influenced film leans hard on its lush black and white cinematography in its attempt to offer a poetic snapshot of African-American life in the Deep South.”

        —Ben Croll: Indiewire

        “Shot with grace and sensitivity in black and white using available and natural light, What You Gonna Do is a visual treat, the easiest on the eye of all the director’s films to date. It is also, for all its unevenness, a stirring, committed portrait of black lives at a crossroads in the American South.”
        —Lee Marshal: Screen Daily

        “A passionate sketch dedicated to the black lives based on the south highways in Northamerica.”
        —Screen Daily

        • Imagen: Lucky

          Lucky



          “Lucky combines, in equal parts, humor and dramatic intesity (…) Hard to imagine a better tribute to the vast artistic path from the Texan actor.”

          – Carlos Bonfil: La Jornada

          “The film subtly shifts from a quietly comical character study to a delicate reflection on loneliness and mortality.”
          – Jeannette Catsoulis: The New York Times 

          “Harry Dean Stanton Gives a Performance for the Ages (…) a wonderful performance, artfully rearranged from the remnants of a lifetime of wonderful performances.”
          – David Ehrlich: Indiewire

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            «Sin duda es una especie de documental interesante para aquellos que quieran echar una mirada a este extraño mundo de los programadores que, casi en la obsesión, usan las computadoras para poder resolver los grandes misterios del tablero».
            – Manuel López Michelone: Proceso

            • Imagen: Marley

              Marley

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              «Este documental, que inicialmente iba a dirigir Scorsese, resulta una exhaustiva investigación sobre la infancia y la juventud del mito, y también un mirada crítica a su papel en la vida política de Jamaica, más importante de lo que hasta ahora sabíamos».
              — Salvador Llopart: La Vanguardia

              «El documental de Kevin MacDonald es música, política, pasión, amistad, sexo, autenticidad, pero, sobre todo, es Marley, complejo ser humano más allá de una suma de partes».
              — Javier Ocaña: El País

              «La sobredosis de información de la primera hora de metraje es perturbadora y, en su mayor parte, inútil. Su obsesiva atención al detalle condena la película a la superficialidad».
              — Sergi Sánchez: La Razón

              • LEVIATHAN / LEVIATÁN
                Francia-Reino Unido-Estados Unidos / 2012 / 87′ / color / inglés / formato de proyección:
                DCP
                Premier Mundial: Festival del Film Locarno 2012
                Premier Norteamericana: Toronto International Film Festival 2012
                FICUNAM 2013: Puma de Plata a Mejor Película
                Ambulante Gira de Documentales 2013
                “Visceral and intense. Captures a world in a way no one has before.”

                ‒ Steve Dollar, Wall Street Journal

                Director: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
                Productor(es): Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
                Compañía productora: Arrête Ton Cinéma
                Fotografía: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
                Edición: Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
                Sonido: Ernst Karel, Jacob Ribicoff
                Música: Ernst Karel

                “A gorgeous, atmospheric documentary.”
                ‒ David Fear, Time Out NY

                Sinopsis

                ʻLeviatánʼ es un viaje alucinante por las atmósferas, texturas y ritmos que se experimentan a bordo de un barco pesquero. Filmado con diminutas cámaras adheridas a personas, objetos y peces, Leviatán logra construir un relato subjetivo, descentrado y errante que hace de la ordinaria tarea de la pesca en alta mar una experiencia impresionante. A través del uso del alto contraste y extraordinario diseño sonoro, la película nos invita a sentir el agua, el viento, la materia de la que están hechos los peces y moluscos, la sensación salina del mar, el vértigo de las olas. La cámara plantada en lugares inusuales evoca el punto de vista de peces, aves y objetos generando un relato terrorífico y fantasmagórico sobre la belleza y la furia marina. (CL)

                 

                Biografía:
                Lucien Castaing-Taylor
                Liverpool, 1966. Profesor de Artes Visuales y Antropología en Harvard. Codirigió el
                documental Sweetgrass (2009) con Ilisa Barbash. Sus obras de audio y video incluyen:
                Hell Roaring Creek (2010), The High Trail 20(10), Coom Biddy (2012) y Bedding Down
                (2012). Leviathan (2012) es su última película.
                Véréna Paravel.
                Neuchâtel, Suiza. Cineasta y antropóloga. Ha realizado los videos cortos 7 Queens
                (2008) e Interface Series (09‒10), este último filmado en su totalidad con Skype. Su
                película debut, Foreign Parts (2010), una colaboración con J.P Sniadecki, ganó Best
                First Feature y un Premio Especial del Jurado en el Locarno Film Festival. Leviathan
                (2012) es su película más reciente.
                “Visually ravishing. Leviathan is in every way sensational.”

                ‒ J. Hoberman, Artinfo

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                  «En su nueva película, Matías Piñeiro mueve gran parte de su historia y sus personajes principales a Nueva York creando nuevas dinámicas en su universo cinematográfico. La conexión con la obra Shakespeare continúa, pero de una manera más lateral y sorprendente».
                  – Diego Lerer: Micropsia

                  «Ver Hermia & Helena de Matías Piñeiro es tratar de eludir la inevitable cartografía del recuerdo. Es volver sobre los pasos andados y después tratar de borrar las huellas. Como cuando Hernán Cortés quemó las naves en Veracruz y por unos meses eliminó para su tropa toda posibilidad de regreso, así los personajes de Piñeiro queman postales, regalos, relaciones. Quieren olvidar el pasado para trazar una nueva ruta, pero no pueden».
                  – Carlos Andrés Torres Cabrera: Icónica

                  «Tal vez, su mayor logro es la traducción/reflejo que hace de su generación (. . .) Tiene aquí su retrato una generación hiper-conectada, con uniformidad de intereses, que pareciera sincronizar al mundo mientras pretende ignorarlo. Y sin embargo, el inconveniente de la traducción es que no deja de ser en parte un engaño. Jamás una lengua podrá decir lo que otra con la exactitud que implica su contexto y en algún momento sería inevitable decantarse por una versión. En la búsqueda de similitudes se resaltan también las diferencias y en ocasiones el peso de éstas es tan grande que nos hace caer de un solo lado».
                  – Eduardo Cruz: Correspondencia

                  • Imagen: Paterson

                    Paterson

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                    «Jarmusch habla no con ideas sino a través de los objetos» para asegurarle al estómago algo que importa en su universo icónico: el gusto viene de saborearse, de saber y sabor, de probar con los sentidos a las cosas y luego, en este caso, llevarlas al plano cinematográfico, a la degustación, como lo ha hecho en tantos años de gestos y sabores, café y cigarrillos, para que sus personajes logren mantenerse con vida a través de la rutina.»
                    – Carlos Rgó: Revista Incónica

                    «El vivir nuestro de cada día, el milagro de lo cotidiano y el arte poético se conjugan en un filme simple pero hermoso».
                    – William Venegas: Nación

                    «Paterson, su película más lograda en mucho tiempo y uno de sus proyectos más celosamente personales, está financiada por los Amazon Studios de Jeff Bezos, recién coronado como la persona más rica en el planeta; una paradoja más que echa leña a la encendida polémica entre el cine de estudios tradicionales y el cine impulsado por compañías online».
                    – Sergio Huidobro: CinePremiere

                    «En una de sus mejores películas de tiempos recientes, Jim Jarmusch plantea un juego de cajas chinas entre el personaje de la cinta, la ciudad donde transcurre y el homenaje al poeta WIlliam Carlos Williams. Es una historia simple que no se aleja del estilo del director, un cine de lo esencial compuesto de gestos mínimos, diálogos breves e imágenes contundentes, con un tono característico de humor seco».
                    – Fernanda Solórzano: Letras Libres

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                      Harmony Korine. Más conocido por Gummo (1997), su impactante debut como
                      director y por ser el guionista de las películas Kids (1995) y Ken Park (2002) de Larry Clark, Korine es considerado uno de los directores de culto más admirados de la escena independiente norteamericana y mundial, no solo por el público sino por cineastas de la talla de Werner Herzog.

                      Harmony Korine cuenta con gran número de admiradores en México. Su tercer
                      largometraje de ficción, Mister Lonely, fue protagonizado por Diego Luna y fue muy bien recibido por el público local. Diego Luna interpretó en aquella ocasión el papel de un imitador de Michael Jackson que se enamora de una imitadora de Marilyn Monroe.
                      Además de dirigir películas, Harmony Korine es escritor y artista visual. Ha dirigido videos musicales para grupos como Sonic Youth, Cat Power y Bonnie Prince Billy; trabajando también de cerca con artistas de la talla de Bjork y Rita Ackermann.
                      Con TRASH HUMPERS, Korine traspasa las barreras formales y temáticas de sus anteriores trabajos, de por sí ya polémicos, demostrando una vez más su gran talento y audacia artística, que le han valido un importante lugar en la historia del cine contemporáneo.

                      Palabras del director:
                      “Recuerdo que cuando era niño había un grupo de ancianos que se reunían a pasar el rato en los callejones oscuros y debajo de los puentes cercanos a mi casa. Siempre estaban embriagándose y bailando. Una noche miré por la ventana de mi cuarto y vi a un grupo de estos ancianos fornicando con unos botes de basura y riéndose.
                      Parecían estar hablando un idioma extraño e inventado por ellos mismos. Esta
                      película es acerca de ellos.”