“Albert Serra vuelve con una saga apocalíptica ambientada en Tahití en una de sus películas más logradas y maduras hasta la fecha.” David Jenkins, Little White Lies
“Serra es un cineasta increíble y ésta es su película más salvajemente expresiva hasta ahora.” Rory O’Connor, The Film Stage
“Siempre que se mantenga el ritmo exuberantemente gradual de la película… hay recompensas aquí incluso para los espectadores más desconcertados atrapados en su marea.” Guy Lodge, Variety
“Sólo puedo decir que me cautivó la película y su sigilosa evocación del mal puro.” Peter Bradshaw, Guardian
“Serra reelabora muchos temas que han atravesado todo su cine, como la pulsión de la muerte –Historia de mi muerte–, la libido enfermiza que se apodera de las tinieblas –Liberté– o todo el universo conspiratorio en torno a la avaricia social que estaba presente en la instalación Singularity, quizás el esbozo de muchas ideas de Pacifiction.” Àngel Quintana, Caimán Cuadernos de Cine
“…La película está rodada con auténtico virtuosismo, con imágenes espectaculares en las que deslumbra el uso del paisaje, pero también a partir de un extraordinario control del tiempo para que, de forma efectiva, el camino hacia la oscuridad penetre en la conciencia del espectador.” Àngel Quintana, Caimán Cuadernos de Cine
“Pacifiction es una película en muchos sentidos sobre flotar, a través de la vida y el agua y el poder, invitando al espectador a ir a la deriva con ella.” Guy Lodge, Variety
In 1994, with a retro at the French Cinémathèque, I published a book entitled VARDA BY AGNÈS. 25 years later, the same title is given to my film made of moving images and words, with the same project: give keys about my body of work. I give my own keys, my thoughts, nothing pretentious, just keys.
The film is in two parts, two centuries.
The 20th century from my first feature film LA POINTE COURTE in 1954 to the last one in 1996, ONE HUNDRED AND ONE NIGHTS. In between, I made documentaries, features, short and long.
The second part starts in the 21st century, when the small digital cameras changed my approach to documentaries, from the GLEANERS AND I in 2000 to FACES PLACES, co-directed with JR in 2017. But during that time, I mostly created art installations, atypical triptychs, shacks of cinema and I kept making documentaries, such as THE BEACHES OF AGNÈS.
In the middle of the two parts, there is a little reminder about my first life as a photographer.
I’ve made a wide variety of films in my life. So I need to tell you what led me to do this work for so many years.
Three words are important to me: Inspiration, creation, sharing.
INSPIRATION is why you make a film. The motivations, ideas, circumstances and happenstance that spark a desire and you set to work to make a film.
CREATION is how you make the film. What means do you use? What structure? Alone or not alone? In colour or not in colour? Creation is a job.
The third word is SHARING. You don’t make films to watch them alone, you make films to show them. An empty cinema: a filmmaker’s nightmare!
People are at the heart of my work. Real people. That’s how I’ve always referred to the people I film in cities or the countryside.
When you film something, a place, a landscape, a group of people, even if the subject is specific, what you shot indicates your deepest project.
I like to bring together reality and its representation. But I also like to juxtapose moving images and still images, in video and in photography.
“Palestinian director Elia Suleiman continues to relish the minutiae and absurdities of daily life via vignettes of life at home and abroad.”
-Jay Weissberg: Variety
“Another love letter to Palestine from a modern Chaplin.”
– Deborah Yound: The Hollywood Reporter
“The absurdities and visual gags from It Must Be Heaven are the best ones in Suleimann’s path, which make this his better and must funny movie that makes a difference.”
– Kaleem Aftab: Cineropa
“A burlesque tale in which identity, nationality, and belonging are explored. Suleimann poses the question ‘Where can one feel at home?”
– EnFilme
“If Faust manifests something, is Bussmann’s acute and assertive way of creating stories, which establishes a beautiful conversation between dialogue and images.”
—El espectador imaginario
“The shadowed border between human and non-human perception is one of Fausto’s sustained topics of interrogation.”
—Peter Goldberg: Slant Magazine
“Fausto puts a striking and abstract spin on a familiar fable.”
—Kevin Ritchie: Now Toronto
“In Bussmann’s film, and the anthropological cinema to which it loosely belongs, the limits of human perception are tied up with the gaps in rigid, supposedly “objective” colonial belief systems.”
—Josh Cabrita: Cinema Scope
“It’s a documentary that’s really a meditation — history made poetic. It’s an immersive and highly personal film (…) The footage we see is fascinating.”
– Owen Gleiberman: Variety
“A poetic and melancholy meditation on the passing of time and the revolutions that could have been, but never were (…) its starting point amply transcends in orted to establish an intimate dialogue between the personal and the public.”
– Luciano Monteagudo: Diario Página 12
“A fascinating cinematographical essay (…) Salles deconstructs, with empathy, the act of filming.”
– Bill Stamets: Chicago Sun-Times
“A tribute to memory’s lucidity. To the memory of faces and places, endearing movies, terroirs and tireless frecuented cities, lengthy friendships and lost loves (…) a formidable documentary.”
– Carlos Bonfil: La Jornada
“Road movie documentary (…) a joyful celebration of the urge to create art and the duty to celebrate life.”
– Allan Hunter: Screendaily
“A happy movie, but also melancholy (…) it contains a humanist gesture, a certain sweetness that urges us to keep faith in cinema as a luminous guide in dark times.” – Manu Yáñez: Fotogramas”A happy movie, but also melancholy (…) it contains a humanist gesture, a certain sweetness that urges us to keep faith in cinema as a luminous guide in dark times.”
– Manu Yáñez: Fotogramas
“Charming (…) Agnès Varda, in the glory of her golden years, has become a humanist magician (…) “Visages Villages” makes a powerful statement about the kind of society we’re becoming.”
– Owen Gleiberman: Variety
«Claire Denis nos ofrece (y sorprende) en esta coproducción entre Francia y Camerún, una película dura, áspera, incómoda y hasta antipática, que se desarrolla en un entorno que tradicionalmente ha pertenecido al pueblo negro, pero al que llegó el pueblo blanco para decirles lo que tenían que hacer y decir».
— Extracine
«Nacido de la idea de adaptar la novela “The Grass is Singing” de Doris Lessing (proyecto apreciado tanto por Isabelle Huppert como por Claire Danis), la película – cuyo guión fue escrito por la realizadora y por la debutante Marie N’Diaye – se ha convertido rápidamente en una historia actual e intemporal, donde resuenan las páginas de la escritora Premio Nobel, e incluso las experiencias del hermano de Doris Lessing, que, como la protagonista del filme continuó – contra el parecer de todos – a cultivar en Rodesia, incluso cuando, por su propia seguridad, habría debido abandonar el país».
— Gabriele Bacaro: Cineuropa
«En la que debe ser su obra maestra, Claire Denis filma la piel del continente africano como si fuera la de Maria: en el demente acto de resistencia de esta mujer pequeña y furiosa, a la que una grandiosa Isabelle Huppert encarna con su hostilidad habitual, existe la historia de una tierra contradictoria, que lucha contra los que intentan borrar su cultura pero no pueden evitar copiar sus peores vicios. Es la tierra de los locos, y White Material, con todo su misterio y toda su belleza, nos habla de lo lejos que podemos llegar cuando cruzamos la línea que nos separa del delirio; cuando, en fin, creemos ser Dios y solo somos esclavos de nuestra imagen divina».
— Sergi Sánchez: Fotogramas
« El cuarto prohibido resulta en un trance agobiante, un balcón sin asideros que se asoma directamente al desconcierto, pero cuyo arrojo autoral, estético y estructural se aleja de manera fascinante de cualquier otra película de [ese] año, o de cualquier otro».
– Sergio Huidobro: Icónica
«El cuarto prohibido es una matryoshka cinemática de relatos dentro de más relatos. Relatos de cuevas y nieve, de doppelgangers, de demonios y dioses de dos caras, de sacrificios volvánicos y parejas mosntruosas, de cirujía cerebral y locura».
– Mark Kermode: The Guardian
«No hay nada ordinario en El cuarto prohibido (. . .) es el tipo de opus que derrite mentes que se puede esperar de Guy Maddin, cuya colaboración con Evan Johnson merece la insignia de una de las películas más extravagatemente bizarras jamás hecha».
– Tim Robey: The Telegraph
«Aún hay sitio para el cine de vanguardia, y así es como Guy Maddin ha seguido afianzando el estatus de director de culto con personalidad irrenunciable ante el asombro de algunos y la incomprensión de muchos. Pues bien, “The Forbidden Room” podríamos señalarla como la cima de su inclasificable obra hasta la fecha, un épico mind-blowing que eleva al cubo su radical y transgresora esencia, cuyo objetivo no es otro que honrar el cine mudo y clásico perdido. Cine, arte y descaro, en estado único, febril y desbocado, pero ante todo puro».
– Joan Sala: FilmIn
Producida por Paulo Branco y rodada en Portugal, COSMOS es una adaptación libre de la
novela homónima de Witold Gombrowicz, que parte como una intriga policial donde se da
seguimiento a una serie de pistas, muchas de ellas irrelevantes, que permiten establecer
correspondencias y oposiciones entre las mujeres, bocas, animales, sueños, o situaciones.
El hallazgo de un gorrión colgado de un árbol es la pista que lleva al escritor joven y su
amigo (gran pareja cómica a la manera de los personajes de Beckett), quienes llegan a una
casa de clase media “burguesa” como inquilinos, a ahondar en esta investigación
motivadora y pasional.
Zulawski, director entre otras de “Posesión”, “Mis noches son más bellas que tus días y “La
fidelidad”, estas últimas protagonizadas por Sophie Marceau, es un cineasta reconocido
por dramas tormentosos de cariz freudianos o épicas en tiempos de oscurantismo. En
COSMOS mantiene el espíritu de la novela de Gombrowicz, y libera una clara influencia del
humor a lo Samuel Beckett o Eugene Ionesco, dotando a la historia de una intención que
la hace ir más allá de lo grotesco, ahondando en las posibilidades de puesta en escena y
narración para construir una idea de realidad.
La forma del relato es constantemente corrompida, sobrepasada, subvertida, propiciando
este nuevo cosmos, devenido en caos y libertad. La casa, habitada por una doméstica
vestida de monja y de labio extraño, por una hija maniática y enajenada, por una madre
absorbente y gritona, por un padre vivaz y sibarita, y un novio casi invisible, es el espacio donde se forma una analogía de un mundo excesivo, gobernado por el sin sentido.
Zulawski mantiene esta histeria inherente a su cine, en ese desborde de sentimientos y
pasiones, en esa expresividad de los gestos de ira, extrañeza o frustración, pero desde lo
cómico y burlesco, desde la exageración y lo teatral.
«El filme termina por adquirir la misma cualidad onírica que ostenta el relato, la sensación de haber asistido a un cuento soñado, una historia que, tanto por tierna como por descarnada, tanto por íntima como por universal, parece condicionada a permanecer en el corazón y en la memoria del espectador por mucho tiempo».
— La butaca azul