• «Los conductos cuenta la historia de un joven que acaba de escapar de una secta religiosa tras darse cuenta de la manipulación mental a la cual había estado sometido. Emancipado por fin, este joven busca la manera de reintegrarse en la sociedad. Una sociedad en la que no encuentra su lugar, una sociedad que siempre le ha mantenido al margen. La película se basa libremente en aspectos de la vida de mi amigo Pinky, quien interpreta el papel principal.» Camilo Restrepo. París, 2021

    «Pinky realmente pasó varios años en una secta religiosa bajo las órdenes de un gurú que se hacía llamar el Padre. Cuando Pinky consiguió escapar de la secta, quedó con la idea fija de que su deber era matar al Padre si algún día se presentaba la oportunidad. Más allá de su propia venganza, Pinky pensaba evitar así el adoctrinamiento de otros jóvenes como él. Hablé mucho con Pinky sobre este deseo de venganza. Poco a poco surgió la idea de ayudarle a cometer este crimen. A cometerlo ficticiamente y explorar así las consecuencias de ese acto. Así fue como nació la idea de hacer una película.» Camilo Restrepo. París, 2021

    «En Los conductos hay situaciones que reflejan la vida real de Pinky. Pero este aspecto documental no me parecía suficiente para traducir el profundo cuestionamiento por el que pasaba. Pues la manipulación de la que había sido víctima había diluido en él los límites entre el bien y el mal, entre la justicia y la injusticia, entre la verdad y la mentira. Para contar esta dimensión mental de la historia de Pinky, elegí integrar en la película personajes de la literatura y de la historia. Personajes que tienen en común haber también cuestionado el orden moral de la sociedad. Los conductos es, pues, una película de ficción, generada por un hecho ficticio: un asesinato nunca cometido. Una ficción deliberadamente alejada de la tendencia realista dominante en el cine latinoamericano.» Camilo Restrepo. París, 2021

    «Los conductos es un urgente grito de resistencia contra las estructuras de opresión y los sistemas hegemónicos de representación. Sus portales y pasadizos subterráneos proporcionan espacios liminales de pensamiento, misterios que están apropiadamente sin resolver pero que se anticipan en un estado continuo de incertidumbre compuesto por fragmentos, como luces al final de un túnel, verdad en medio de la confusión, esperanza en medio de la desesperación.» Andréa Picard. MUBI Notebook

  • En 1994, con un retro en la Cinemateca francesa, publiqué un libro titulado VARDA BY AGNÈS. 25 años después, se le da el mismo título a mi película hecha de imágenes en movimiento y palabras, con el mismo proyecto: dar claves sobre mi cuerpo de trabajo. Doy mis propias llaves, mis pensamientos, nada pretencioso, solo llaves.
    La película tiene dos partes, dos siglos.
    El siglo XX desde mi primer largometraje LA POINTE COURTE en 1954 hasta el último en 1996, CIENTO Y UNA NOCHE. En el medio, hice documentales, largometrajes, cortos y largos.
    La segunda parte comienza en el siglo XXI, cuando las pequeñas cámaras digitales cambiaron mi enfoque de los documentales, de GLEANERS AND I en 2000 a FACES PLACES, codirigido con JR en 2017. Pero durante ese tiempo, creé principalmente instalaciones de arte, trípticos atípicos, chozas de cine y yo seguí haciendo documentales, como THE BEACHES OF AGNÈS.
    En medio de las dos partes, hay un pequeño recordatorio sobre mi primera vida como fotógrafo.
    He hecho una gran variedad de películas en mi vida. Así que necesito decirte lo que me llevó a hacer este trabajo durante tantos años.
    Tres palabras son importantes para mí: inspiración, creación, compartir.
    La INSPIRACIÓN es por qué haces una película. Las motivaciones, ideas, circunstancias y acontecimientos que despiertan un deseo y te pones a trabajar para hacer una película.
    CREACIÓN es cómo haces la película. ¿Qué medios usas? Que estructura ¿Solo o no solo? ¿En color o no en color? La creación es un trabajo.
    La tercera palabra es COMPARTIR. No haces películas para verlas solo, haces películas para mostrarlas. Un cine vacío: ¡la pesadilla de un cineasta!
    La gente está en el corazón de mi trabajo. Gente real. Así es como siempre me he referido a las personas que filmo en las ciudades o en el campo.
    Cuando filmas algo, un lugar, un paisaje, un grupo de personas, incluso si el tema es específico, lo que tomaste indica tu proyecto más profundo.Me gusta reunir la realidad y su representación. Pero también me gusta yuxtaponer imágenes en movimiento e imágenes fijas, en video y en fotografía.

  • «Otra carta de amor de un Chaplin moderno dirigida a Palestina.»
    –Deborah Young; The Hollywood Reporter

    «Un homenaje a la vitalidad crítica del cine.»
    –Carlos Bonfil: La Jornada

    «Aguda comedia humana realizada por el Jacques Tati palestino»
    –Luciano Monteagudo: Diario Página 12

    «Un cuento burlesco en el que se explora la identidad, la nacionalidad y la pertenencia, en el que Elia Suleiman plantea una pregunta fundamental: «¿Dónde puede sentirse uno en su casa?»
    –EnFilme

    «El director palestino, Elia Suleiman, continua deleitandose con las nimiedades y los disparates de la vida diaria que se presentan a través de viñetas de la vida en el hogar y estando lejos de éste.» 
    –Jay Weissberg: Variety

  • «El talentoso realizador rumano sorprende (y convence) con un thriller noir que se desmarca de su filmografía previa y de casi todo el cine reciente de su país.»
    –Diego Lerer: Micropsiacine

    «La placentera perspectiva de Corneliu Porumboiu acerca de las pelícuas de estafas tiene su encanto propio.»
    –Eric Kohn: IndieWire

    «Pelicula art house noir que sobresale de entre muchas otras.»
    –Leslie Felperin: The Hollywood Reporter


  • «Una propuesta tan magnética y envolvente como subyugante (…) El laberinto es sencillamente perfecto.»

    – Luis Martínez: Diario El Mundo

    «Alverson deja un recodo para el sosiego: escuetos gestos de afecto y compasión cuya intensidad y desnudez hacen pensar en los maestros del cine trascendental: Robert Bresson o Carl Dreyer. Fugaces halos de luz en el corazón de la tragedia: la película más devastadora que ha visto este crítico en mucho tiempo.»
    – Manu Yañez: Fotogramas

    «La película es un deleite a la vista. Con  el diseño de la producción de Jacqueline Abrahm’s puesto entre sets realistas que están repletos de objetos viejo que cautivan así como de salas de hospital que están puesta de manera antinatural. Un sentimiento de ensoñación proviende de los verdes y los cafés tenues del DP Lorenzo Hagerman. Todas las pistas están en ahí; Alverson y sus co-guionistas Colm O’ Leary y Dustin Guy Defa son aún más grandes que los charlatanes Estados Unidos de la década de los 50’s.»
    – Deborah Young : Hollywood Reporter

    «El nuevo y hermoso filme de Rick Alverson, a ratos inescrutable, toma la estancia de la excentricidad en una pesadilla suburbana complaciente.»
    – Guy Lodge: Variety

  • «Visualmente efusiva y narrativamente subestimada, la película influenciada por la verité se apoya constantemente en su opulenta fotografía al blanco y negro en un esfuerzo por ofrecer una captura poética de la vida africoamericana del «Deep South»».
    —IndieWire 

    «Retratada con gracia y sensibilidad a blanco y negro usando la luz natural disponible , What You Gonna Do When The World’s on Fire? es un deleite audiovisual, el más placentero de entre el repertorio de Minervini que nos ofrece hasta la fecha».
    —Screen Daily

    «Un boceto apasionante y dedicado de las vidas negras en las carreteras del sur de Norteamérica »
    —Screen Daily

  • «Un tributo de la lucidez a la memoria. A la memoria de rostros y lugares, películas entrañables, terruños y ciudades frecuentados infatigablemente, fotografías de familia, largas amistades y amores desaparecidos (…) un documental formidable.»
    – Carlos Bonfil: La Jornada

    «Documental road movie totalmente encantador (…) Un homenaje alegre a la importancia de crear arte y la obligación de celebrar la vida.»
    – Allan Hunter: Screendaily

    «Película feliz, pero también melancólica (…) contiene un gesto humanista de primer orden, una dulzura que nos anima a conservar la fe en el cine como guía luminosa en tiempos de oscuridad.»
    – Manu Yáñez: Fotogramas

    «Encantadora (…) Agnès Varda, en la gloria de sus años dorados, se ha convertido en una maga humanista (…) ‘Visages Villages’ hace una declaración poderosa sobre el tipo de sociedad en la que nos estamos convirtiendo.»
    – Owen Gleiberman: Variety

  • «Una película ariesgada e impactante que explora el género fantástico a través del terror y la ciencia ficción pero sin renunciar a los comentarios sociales sobre el México contemporánero —la homofobia , el machismo, la violencia de género, la violencia a secas y la indiferencia.»
    — Javier Pérez: CinePremiere.

    «El éxtasis y la agonía, Eros y Tánatos como las dos fuerzas motrices del universo que en La región salvaje adquieren una fuerza metafórica de una enorme potencia expresiva.»
    — Beatríz Martínez: El País 

    «Este cuerpo alegórico del horror, astuto y subersivo, del director de Heli trata de los impulsos y addiciones universales que a todos nos gobiernan durante nuestras vidas.»
    — Peter Bradshaw: The Guardian

    «Al arraigar firmemente la historia en lo cotidiano, Escalante hace énfasis en su intención metafórica, la cosa que habita en el establo representa el indómito aspecto erótico del ello, sin embargo, la región salvaje, misma a la que se alude en el título de la película, es el impulso destructivo de la humanidad, mismo que se personifica en el machismo de Ángel.»
    — Jonathan Romney: Screendaily

  • “Visceral and intense. Captures a world in a way no one has before.”
    ‒ Steve Dollar, Wall Street Journal

    “A gorgeous, atmospheric documentary.”
    ‒ David Fear, Time Out NY

    “Visually ravishing. Leviathan is in every way sensational.”
    ‒ J. Hoberman, Artinfo

  • En su segundo largometraje, el director israelita ofrece una reflexión sobre el papel de la poesía y el arte en una sociedad que parece ya no estar interesada en ellas.

    Inquietante mirada a la relación de una profesora de kínder y su párvulo Yoav, niño prodigio capaz de crear poemas a partir de misteriosos trances de inspiración que, una vez transcurridos, lo regresan a su vida de juegos y placeres inocentes. Nira, la maestra de Yoav, madre de familia y poetisa sin gran reconocimiento, descubre la posibilidad de estimular el talento innato del infante, embarcándose en una carrera contra la sociedad patriarcal y consumista que los subyuga, alcanzando perturbadores desenlaces.