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    “Los conductos cuenta la historia de un joven que acaba de escapar de una secta religiosa tras darse cuenta de la manipulación mental a la cual había estado sometido. Emancipado por fin, este joven busca la manera de reintegrarse en la sociedad. Una sociedad en la que no encuentra su lugar, una sociedad que siempre le ha mantenido al margen. La película se basa libremente en aspectos de la vida de mi amigo Pinky, quien interpreta el papel principal.” Camilo Restrepo. París, 2021

    “Pinky realmente pasó varios años en una secta religiosa bajo las órdenes de un gurú que se hacía llamar el Padre. Cuando Pinky consiguió escapar de la secta, quedó con la idea fija de que su deber era matar al Padre si algún día se presentaba la oportunidad. Más allá de su propia venganza, Pinky pensaba evitar así el adoctrinamiento de otros jóvenes como él. Hablé mucho con Pinky sobre este deseo de venganza. Poco a poco surgió la idea de ayudarle a cometer este crimen. A cometerlo ficticiamente y explorar así las consecuencias de ese acto. Así fue como nació la idea de hacer una película.” Camilo Restrepo. París, 2021

    “En Los conductos hay situaciones que reflejan la vida real de Pinky. Pero este aspecto documental no me parecía suficiente para traducir el profundo cuestionamiento por el que pasaba. Pues la manipulación de la que había sido víctima había diluido en él los límites entre el bien y el mal, entre la justicia y la injusticia, entre la verdad y la mentira. Para contar esta dimensión mental de la historia de Pinky, elegí integrar en la película personajes de la literatura y de la historia. Personajes que tienen en común haber también cuestionado el orden moral de la sociedad. Los conductos es, pues, una película de ficción, generada por un hecho ficticio: un asesinato nunca cometido. Una ficción deliberadamente alejada de la tendencia realista dominante en el cine latinoamericano.” Camilo Restrepo. París, 2021

    “Los conductos es un urgente grito de resistencia contra las estructuras de opresión y los sistemas hegemónicos de representación. Sus portales y pasadizos subterráneos proporcionan espacios liminales de pensamiento, misterios que están apropiadamente sin resolver pero que se anticipan en un estado continuo de incertidumbre compuesto por fragmentos, como luces al final de un túnel, verdad en medio de la confusión, esperanza en medio de la desesperación.” Andréa Picard. MUBI Notebook

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    “Territorio plantea dos temas relacionados con la masculinidad: la paternidad y el poder. Crecí en una sociedad que normalizó el machismo, la hostilidad y la violencia. En una época en que es imprescindible redefinir al género, esta película exhibe los vicios e inseguridades del hombre hasta vulnerarlo y confrontarlo con su oscuridad.” – Andrés Clariond Rangel

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    «Este proyecto que nació de un encargo (en este caso, de filmar un programa de mejoras en escuelas primarias de México) da como resultado un producto muy original y completamente alejado, uno imagina, del encargo en cuestión. Se trata de un mediometraje que, en una combinación que recuerda al mejor cine iraní, mezcla historias reales con inventadas a partir del trabajo con niños en el que se combinan, también, el documental con la ficción que ellos mismos inventan. Con la colaboración del escritor Mario Bellatín (quien actúa en el film y presta el título de la película de una historia suya), Pereda y su actor-fetiche convertido en codirector van llevando este film hacia un lugar en el que la imaginación de un chico encerrado por un supuesto problema sanitario se impone por sobre el registro documental aportando un giro dramático y tonal fascinante e inesperado.»
    –Diego Lerer; Micropsia

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  • “The talented rumanian filmmaker surprises (and convinces us) with his thriller noir which stands out from his previous filmography and from almost all of the cinema coming from his country.”
    – Diego Lerer: Micropsiacine

    “The pleasing perspective from Corneliu Porumboiu about grand theft movies has its own charm.”
    – Eric Kohn: IndieWire

    “Art house movie that stands out from many others within its genre.”
    – Leslie Felperin: The Hollywood Reporter


  • “The whole film is gorgeous to look at, at any rate, with Jacqueline Abrahams’ production design poised between realistic sets littered with amusing vintage objects and unnaturally spare hospital wards. A dreamy feeling emanates from DP Lorenzo Hagerman’s muted browns and greens and soft focus. All the clues are there that Alverson and his co-screenwriters Colm O’Leary and Dustin Guy Defa are after bigger game than spoofing 1950s America.”

    – Deborah Young : Hollywood Reporter

    “Rick Alverson’s beautiful, often inscrutable new film takes a stand for eccentricity in a complacent suburban nightmare.”
    – Guy Lodge: Variety

    “Alverson leave very little room for serenity, bare compassion and affection gestures whose intensity and nakedness remind us of the great masters of trascendental cinema: Robert Bresson or Carl Dreyer. Fleeting halo lights amidst the heart of tragedy: the most devastating movie this critic has seen in a very long time.”
    – Manu Yañez : Fotogramas

    “A proposal as magnetic as it is immersive and captivating (…) this laberynth is just perfect.”
    – Luis Martínez :  El Mundo

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    “If Faust manifests something, is Bussmann’s acute and assertive way of creating stories, which establishes a beautiful conversation between dialogue and images.”
    —El espectador imaginario

    “The shadowed border between human and non-human perception is one of Fausto’s sustained topics of interrogation.”
    —Peter Goldberg: Slant Magazine

    “Fausto puts a striking and abstract spin on a familiar fable.”
    —Kevin Ritchie: Now Toronto

    “In Bussmann’s film, and the anthropological cinema to which it loosely belongs, the limits of human perception are tied up with the gaps in rigid, supposedly “objective” colonial belief systems.”
    —Josh Cabrita: Cinema Scope 

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    “It is a movie about gay experience, it is not about migration, but about displacement, about forgetfulness, memory and reconstruction, global and deeply human topics. The characters in the movie end up meeting in the middle at some point but in reality, it is a history with no end.”

    —The director for Encuadres

    “Exile, identity and sexuality, a triage of elements that are mixed in the character of Ramin, an iranian migrant who lands in Veracruz harbor, a place of transference/transit/transport for a character that is  not only running away from his demons, but also from the problematic reality of being gay in the middle east; the search for the embrace of an identity that welcoms his true self.”

    —José Emilio Sarmiento: Panorama

    “The topic of marginalization born out of facism and violent contexts, in which, one way of another, the “fireflies” (from Pasolini’s essay) manage to comunicate insided the shadows where they were exiled to.”

    — Matt Micucci: Gay Essential 

  • “A movie about indivial leeway that is also a colective portrait where peculiar charactares gather.”
    —Quim Casa: El Periódico

    “The key to the main reading of Alché’s movie is what we need to live and what we left when we die.”
    —Esteban García de La Mata: Icónica

    “If to [Fellini] the unconscious might resemble a three track circus, or and exhuberant cabarét, María Alché wages subtle narratives to address, in her feature filmfilmdebut film, a personal crisis. The more Martelian rather Fellian , A Family Submerged is dominated by the presence of Mercedes Morán that shows herself to the audience between net curtains before presenting that her eyes enclosed all of the sadness in the world.”
    —Jordi Costa: El País

    “This movie (. . .) talks about those moments where we desperately need a breath of fresh air. The protagonist is looking to surface with in order to open her mouth, her lungs and to decir wheter to keep floating or if we are to breath again in order to reach our acquaintances, and to maybe end up swiming in that love and hate aquarium that we call family.”
    —Valeria Jauré: Culturizarte

  • Imagen: POSTER-ROMA

    Roma

    “Alfonso Cuarón’s neorealist drama about a family in early-’70s Mexico City is a luminous vision that insists on floating above its characters.”
    — Owen Gleiberman : Variety.

    “The wonderful and revealing, Cuarón’s opus is familiar even to those who were born in the other side of the border.”
    — Claudia Puig: Remezcla

    “The sumptuous film, based on Cuarón’s own childhood, reverberates not only with innocence but with the awful intuition of its collapse.”
    — Anthony Lane: The NewYorker

    “Roma’ assembles its narrative out of small moments, as the director’s camera pans slowly through various scenes to soak in the distinctive locale, while dispensing tidbits of story details from unlikely places.”
    — Eric Kohn: Indiewire