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    «Te prometo anarquía es el puro tránsito, largas secuencias contemplativas y que suspenden el hilo narrativo para congelar la acción, como aquella que filma a sus personajes con sus tablas de skate por las calles. La progresión de relato siempre está comprometida, sometida a digresiones que capturan lo pasajero, que dan fe de lo auténtico, como si fuese una crónica de lo real. Es un presente como prisión, en una zona de peligro y de violencia, donde todo está destinado a desaparecer, en el umbral de aquello que se mueve pero no se vive»
    – Manu Argüelles: Cine Divergente

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    «La película de Pereda está permeada por una entrañable nostalgia que remonta principalmente
    a los libros y aun período muy específico que, tal vez Pereda tema se esté perdiendo».
    – MICHAEL SICINSKI: Cinema Scope

    «Cabría decir que este cine de Nicolás Pereda dialoga con sus espectadores en torno a temas tan importantes como son la sensación de apatía que pueda tener una parte de las generaciones nuevas, una marcada infantilización con un largo camino hasta llegar (o no) a la adultez en muchos casos, el concepto de interrelación e inclusive de solidaridad entre las personas, y la puesta en tela de juicio del modelo mismo de urbanidad que hemos heredado».
    – José Luis García: Cinestel

    «Reflexionando, se puede decir que Minotauro, es como tal una obra que muestra lo desagradable e incómodo que es el ser humano en su cotidianeidad y a la vez muestra una irónica relación entre los pensamientos y sentimientos con las acciones».
    – Viridiana Morales: Neopulp

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    « El cuarto prohibido resulta en un trance agobiante, un balcón sin asideros que se asoma directamente al desconcierto, pero cuyo arrojo autoral, estético y estructural se aleja de manera fascinante de cualquier otra película de [ese] año, o de cualquier otro».
    – Sergio Huidobro: Icónica

    «El cuarto prohibido es una matryoshka cinemática de relatos dentro de más relatos. Relatos de cuevas y nieve, de doppelgangers, de demonios y dioses de dos caras, de sacrificios volvánicos y parejas mosntruosas, de cirujía cerebral y locura».
    – Mark Kermode: The Guardian

    «No hay nada ordinario en El cuarto prohibido (. . .) es el tipo de opus que derrite mentes que se puede esperar de Guy Maddin, cuya colaboración con Evan Johnson merece la insignia de una de las películas más extravagatemente bizarras jamás hecha».
    – Tim Robey: The Telegraph

    «Aún hay sitio para el cine de vanguardia, y así es como Guy Maddin ha seguido afianzando el estatus de director de culto con personalidad irrenunciable ante el asombro de algunos y la incomprensión de muchos. Pues bien, “The Forbidden Room” podríamos señalarla como la cima de su inclasificable obra hasta la fecha, un épico mind-blowing que eleva al cubo su radical y transgresora esencia, cuyo objetivo no es otro que honrar el cine mudo y clásico perdido. Cine, arte y descaro, en estado único, febril y desbocado, pero ante todo puro».
    – Joan Sala: FilmIn

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    Siempre que miraba el mapa de mi país, veía una gran incógnita.
    Casi la mitad de él estaba cubierto por un territorio oculto, por un manto verde, del que nada sabía.
    Es el Amazonas, tierra inabarcable, que hemos reducido a unos pocos conceptos.
    Coca, droga, ríos, indios, guerra.
    Realmente no hay nada más allí?
    No hay una cultura, una historia?
    No hay un espíritu que trascienda?
    Los exploradores me enseñaron que sí.
    Aquellos hombres que lo dejaron todo, que arriesgaron todo, para mostrarnos un mundo que no
    podíamos haber imaginado.
    Y que hicieron contacto.
    Ese encuentro se dio en medio de uno de los genocidios más crueles que ha visto la humanidad.
    Puede el hombre, a través del arte y la ciencia, trascender la brutalidad?
    Algunos hombres lo hicieron.
    Los exploradores han contado su historia.
    Pero los nativos no.
    Su historia es esta.
    Un pedazo de tierra del tamaño de un continente, que no se ha contado.
    Que no existe en el cine de nuestra América.
    Ese Amazonas ya se ha perdido.
    Pero en el cine, puede volver a existir.
    Pero en el cine, puede volver a existir.
    —CIRO GUERRA

    “En este momento no me es posible saber, querido lector, si la selva infinita ha comenzado en mí el proceso que ha tenido en muchos otros que se han aventurado en estas tierras, el de llegar a una completa e irremediable locura.
    Si este es el caso, solo puedo disculparme y pedir su entendimiento, pues lo que he visto y atestiguado en aquellas horas encantadas fue tal que es imposible describirlo con palabras que puedan acercarnos a tal belleza y esplendor. Lo único que sé es que, al igual que los demás que han despojado el grueso velo de sus ojos, cuando regresé yo ya me había convertido en otro hombre”.
    —THEODOR KOCH-GRÜNBERG, 1907

  • Imagen: Cosmos-A

    Cosmos

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    Producida por Paulo Branco y rodada en Portugal, COSMOS es una adaptación libre de la
    novela homónima de Witold Gombrowicz, que parte como una intriga policial donde se da
    seguimiento a una serie de pistas, muchas de ellas irrelevantes, que permiten establecer
    correspondencias y oposiciones entre las mujeres, bocas, animales, sueños, o situaciones.
    El hallazgo de un gorrión colgado de un árbol es la pista que lleva al escritor joven y su
    amigo (gran pareja cómica a la manera de los personajes de Beckett), quienes llegan a una
    casa de clase media “burguesa” como inquilinos, a ahondar en esta investigación
    motivadora y pasional.

    Zulawski, director entre otras de “Posesión”, “Mis noches son más bellas que tus días y “La
    fidelidad”, estas últimas protagonizadas por Sophie Marceau, es un cineasta reconocido
    por dramas tormentosos de cariz freudianos o épicas en tiempos de oscurantismo. En
    COSMOS mantiene el espíritu de la novela de Gombrowicz, y libera una clara influencia del
    humor a lo Samuel Beckett o Eugene Ionesco, dotando a la historia de una intención que
    la hace ir más allá de lo grotesco, ahondando en las posibilidades de puesta en escena y
    narración para construir una idea de realidad.
    La forma del relato es constantemente corrompida, sobrepasada, subvertida, propiciando
    este nuevo cosmos, devenido en caos y libertad. La casa, habitada por una doméstica
    vestida de monja y de labio extraño, por una hija maniática y enajenada, por una madre
    absorbente y gritona, por un padre vivaz y sibarita, y un novio casi invisible, es el espacio donde se forma una analogía de un mundo excesivo, gobernado por el sin sentido.
    Zulawski mantiene esta histeria inherente a su cine, en ese desborde de sentimientos y
    pasiones, en esa expresividad de los gestos de ira, extrañeza o frustración, pero desde lo
    cómico y burlesco, desde la exageración y lo teatral.

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    Mi concepción sobre el cine y la vida han cambiado desde hace unos años cuando me diagnosticaron una enfermedad degenerativa. Comenzó para mí una búsqueda de sanación y en el proceso, lo que más me impacto fue sentir una verdadera y sincera empatía por el dolor del otro. Fue poder reconectarme con otro ser humano. Y ahí encontré lo que para mi es el corazón de Violencia como película: generar una empatía por el otro a partir del dolor. Por eso Violencia es
    una película sobre la experiencia vivencial de la violencia, y no una película que simplemente cuenta una historia. No quería que la película se redujera únicamente a tres personas sino por el contrario quería que ellos fueran arquetipos de los cientos de personas que atraviesan las mismas situaciones. Para lograr aquello desarrollé la observación de la cotidianidad de los protagonistas. Fue crear lazos con ellos a partir de acompañarlos en su vida, en sus momentos más privados y en los más públicos. Fue a fuerza de poder estar con ellos viéndolos hasta en los más pequeños detalles que logré reconocerlos como mis pares. Simplemente observando, permitiendo que el paso del tiempo cimentara una relación con ellos sin necesidad de explicarlos o darle un juicio de valor a lo que viven o hacen. Violencia son tres historias distintas que destruyen el espíritu, los sentimientos y el cuerpo, y allí encuentro una película en la cual el espectador será capaz de identificar al otro como un ser humano de carne y hueso y será capaz de mover su corazón.
    –Jorge Forero

  • Imagen: YO-POSTER-WEB

    Yo

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    «Con Yo, Meyer sugiere que la mirada es la perversa; los hallazgos sentimentales de Yo se difuminan entre los prejuicios y la monotonía, ávida de fenómenos para la exhibición. Entre el drama rural, la educación sentimental y el tremendismo minimalista, Yo trasciende el tema de la discapacidad mental y alcanza esas zonas donde se preserva o pierde la inocencia».
    – Carlos Ramon Morales: Distintas Latitutdes

    «La película dialoga con el espectador en temas tan esenciales como la familia o las relaciones humanas. Las tensiones que se van detectando a medida que avanza su metraje, en especial con el hombre que convive con su madre, quien dedica parte de su tiempo a discriminarlo, auguran la posibilidad de algún peligroso destino para el filme».
    – José Luis García: Cinestel

    «La película es fuerte por los elementos de discriminación que describe y precisamente por eso nos lleva en línea recta a la reflexión, provocando en el espectador efectos variados pero constantes».
    – Héctor Trejo S: Driario Crítica

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    «El director, enfatiza los alcances de un evento como el diagnóstico de un animal en su cualidad como agente de choque (. . .) Tiene sentido que el relato se desenvuelva a partir –y alrededor– de los animales: en su mundo, parecen ser el único factor lo suficientemente determinante para sacudir el estado de las cosas».
    – Ana Laura Pérez. Flores: Icónica

    «La sensación de lugar es tanto natural como poética, con escenas desarrollándose en apretujadas y monótonas cabañas y en pastizales llenos de eco (. . .) su aura de cuento de hadas cierra el filme de Hákonarson en una nota de reconciliación cósmica que prevalece en la mente del espectador mucho más de lo que podría lograr un “y vivieron felices para siempre”».
    – Robbie Collin:The Telegraph

    «Dirigida por Hákonarson con mano certera y habilida por hacer parecer real todo, Corderos, historia de rivalidad y hostilidad no funciona sin sus momentos de humor bizarro (. . .) Vivimos en un mundo impasible y lo absurdo siempre está más cerca de lo que parece».
    – Kenneth Turan: Los Angeles Time

    «Una historia de familia, de recuerdos, de secretos escondidos en una paraje frío como los personajes, pero con sentimientos escondidos en esas dos casas tan cercanas pero tan distantes, que con la cámara y esos planos que se van acercando a veces parece que el director las va a fusionar en una sola».
    – Susana Peral: Cineralia

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    «Amor en forma, de Andrew Bujalski, ofrece una mirada empática a la obsesión por el fitness. Tres personajes que persiguen objetivos bien definidos encuentran lo que están buscando solo cuando se han perdido: algo similar a lo que ocurre en algunas producciones de cine».
    – Fernanda Solórzano: Letras Libres

    «Hay cintas en las que, en un minuto, pasa de todo. Y otras en que, en dos horas, no pasa nada.Hay el cine de acción asfixiante yabrumador, y aquel que flojea entre conversaciones. Amor en Forma es de esas películas que se toman su tiempo».
    – Adriana Fernández:Reforma

    «A diferencia de sus camaradas que también hacen comedias románticas de bajo presupuesto, Bujalski tiene el ingrediente secreto que en lo que sea que haga después: observa los extraños defectos en sus personajes, y le gusta verlos»
    – Michael Pihllips: Chicago Tribune