• «Polvo es una recopilación de escenas conectadas cuya intención es retratar el daño social y mental que los conflictos armados en Guatemala han traído».
    — Jay Weissberg: Variety

  • «Los mejores temas es una mirada fresca sobre un tema tantas veces tratado en el cine como lo ha sido el de la representación. Una obra que se sostiene con actuaciones impecables, que toma forma con base a su contenido y que a partir de esta forma y este contenido, sin miedo, se arriesga a ponerse en juego a sí misma y a poner en juego al espectador de manera directa y sin titubeos.»
    — Camila Arriaga Torres: Arcadia

    «Pereda propone un diálogo con el documental muy interesante y que asume riesgos cada vez mayores en la cinta alternando a dos intérpretes para el mismo papel que, lejos de restar, ofrecen un nuevo nivel de lectura a la misma».
    — Fernando Moreno: Corre Cámara

    «Lo que le importa a Pereda es la transgresión de las convenciones del cine narrativo. La ficción es excusa para acercarse a la mente de sus actores (no modelos ni actores en el sentido convencional) y así alcanzar un nivel de emoción puro y crudo».
    — Indie Lisboa

  • “Visceral and intense. Captures a world in a way no one has before.”
    ‒ Steve Dollar, Wall Street Journal

    “A gorgeous, atmospheric documentary.”
    ‒ David Fear, Time Out NY

    “Visually ravishing. Leviathan is in every way sensational.”
    ‒ J. Hoberman, Artinfo

  • «La fascinante historia de la joven, porque sin duda lo fue y vale la pena escucharla, se mezcla constantemente con los procesos de creación que sufre el documentalista en primera persona. Un trabajo de montaje bien elaborado donde las historias crecen, se resisten y se construyen».
    — Marcela Barbaro: El espectador imaginario

    «Encontrar un tema o una historia extraordinaria es un buen punto de partida para hacer un documental valioso. La capacidad para volcar todo ese material a un filme, mediante una puesta escena creativa e inteligente, es la otra pata de un proyecto exitoso. El director argentino José Luís García halló ambas cosas y logró un filme meritorio».
    — Jorge Halaban: Comentando Cine

    «Tras los pasos de la enigmática y esquiva Su-kyung, los recuerdos de García no sólo lo conducen a pisar de nuevo tierras coreanas –esta vez del lado sur– y desmarcar de paso su propuesta de todo tono ideológico: convierten a su documental en un absorbente viaje personal, inteligente compulsivo y quijotesco».
    — Gustavo E. Ramírez Carrasco

  • «Es un filme personal, se trata de una despedida y un recuento del cine pobre y con las uñas que ha realizado en su amada Guatemala. Un cine con historias comunes, con mucho compromiso social y denuncia, con planteamientos que desafían a todos los sectores sociales».
    — Cinema 2.0

  • «La película de Mendonça es una radiografía sobre la denominada nueva clase media brasileña a quienes presenta con toda su constante carga de hipocresía para tapar los miedos, con sus reacciones delirantes ante el ruido o con una vaga demostración de superioridad frente al vigilante del edificio».
    — José Luis García: Cinestel

    «La progresión lenta y cansina, el virtuosismo y estilo de algunos planos, la ubicación de la cámara en algunas escenas y la construcción de situaciones descontracturantes (ama de casa más aspiradora) le posibilitan una narración que hasta último momento tiene algo para mostrar».
    — Rolando Gallego: Escribiendo Cine

    «La irrupción a una propiedad por la noche, el maltrato al servicio doméstico, la puesta en escena de las torres de departamentos (a las cuales Mendonça Filho filma desde casas aledañas, mostrándolas imponentes, inalcanzables) evidencia la continua lucha de clases y poder en el que navega Sonidos vecinos».
    — El Carín

  • «Si hay una emoción que Seidl ha demostrado saber expresar a través del lenguaje cinematográfico, esa es la crueldad (. . .) En Pararíso: Amor hace como que se está dedicando a filmar una realidad que existe, que no es ficción, que está sucediendo».
    – Christian G. Carlos: Cinedivergente

    «En ‘Paraíso:Amor’, la cámara de Seidl asiste impasible a la imposibilidad de diálogo entre una mujer de mediana edad que busca el amor en el turismo sexual y un Otro encarnado en un Tercer Mundo destrempado sin otra salida para su supervivencia que la depredación lúbrica. El resultado es una película tan triste y brutal como verdadera, que confrma el exigente afinamiento del tono Seidl».
    – Jordi Costa: Fotogramas

    «Seidl constantemente obliga al espectador a sentirse incómodo. Incomodidad que surge de los paradigmas que revoluciona constantemente».
    – Daniel Cholakian: Cineramaplus

    La película de Seidl se nos presenta en forma de dicotomías: blanco/negro, gordo/flaco, hombre/mujer, rico/pobre (. . .) compleja, desafiante, Paraíso: amor es una cruel exploración de que tan diferente a nosotros nos podemos comportar cuandoe estamos de «vacaciones» y lo mucho que eso dilucida quien realmente somos».
    – Jessica Kiang: Indiewire

  • «El filme es propositivo, esconde en sus juegos escénicos y rupturas ficcionales la esencia que subyace a la trama: la literatura y el teatro como vías de rehumanización sin perder ese motivo, ese brillo que impulsa a cada uno a vivir el día a día».
    — Aurora Alejandra Lomelí Pérez: Rodando Cine

    «El brillo de los días brilla principalmente en sus diálogos y en la química entres sus dos personajes principales».
    — Domenico La Porta: Cineuropa

    «Un retrato de las vidas que se viven en asilamiento y soledad (. . .) para Covi y Frimmel, no es en los encuentros dramáticos en los que se desarrollan sus personajes, sino en los momentos improvisados de conversación y gestos inesperados».
    — Andrew Schenker: Slant Magazine

  • Imagen: VIOLA

    VIOLA

    «Pocos directores varones han demostrado una sensibilidad tan particular para sumergirse en la intimidad del mundo feminino, ya sea en un camarín o dentro de un auto con el invierso desolador de fondo(. . .)con un impecable trabajo del fuera de campo, con el encanto de unos personajes que disfrutan de divagar o de plantearse enigmas por momentos absurdos, Piñeiro va moldeando -en apenas una hora- unrelato fascinante y embriagador».
    –– Diego Batlle: Otros Cines

    «Viola es un punto clave del cine argentino hoy: un nodo de gracia y sutileza, de revalorización del diálogo, de construcción sólida de situaciones. Un ejemplo de claridad para construir personajes, para entender los bordes filosos de sus personalidades como lugares de entrada para los pequeños temblores e inestabilidades que ponen en circulación el amor o su búsqueda. Un cine resplandeciente, seguro y estable para mostrar el movimiento y las dudas que generan los más encantadores pliegues del deseo».
    –– Javier Porta Fouz: La Nación

    «Presentando una fotografía elegante que captura la belleza urbana de Sudamérica y de la jóvenes mujeres que aparecen en la pantalla, la película, traviesamente, explora la conexión entre la realidad y el artifico».
    –– Frank Schek: The Hollywood Reporter

    «Cuando muchos directores que toman inspiración de Shakespeare se basan en sus dramas, el argentino ha descrifrado la clave cinemática de sus comedias, revelando el artificio para el disfrute, y para, tal vez, enseñarnos, a lo largo de las eras, algo acerca de vivir y trabajar enamorados».
    –– Chris Luscri: Senses of Cinema

  • «Es éste uno de los filmes más o menos recientes que introducen la referencialidad y el metalenguaje de una forma más interesante. Una de las voces más atractivas del nuevo cine europeo, el británico Peter Strickland (“Katalin Varga”, “The Duke of Burgundy”) rinde en ella homenaje algiallo. Pero lo hace de una forma particular. En vez de limitarse a reproducir las constantes argumentales y estéticas del cine de terror italiano de los 70, busca una estimulante alternativa.»
    — Desirée de Fez: Fotogramas

    «Su radicalidad la convierte en algo único: Strickland mantiene en perpetuo fuera de campo la película que sonoriza el personaje encarnado por Toby Jones, renunciando así –por lo menos en parte- al barroquismo visual de Bava y Argento con el fin de describir ese particular descenso a los infiernos a través de la abstracción. Hay en la película una constante fusión y confusión de espacios, excéntricas notas de humor al detallar la cocina sonora del giallo y un tenso pulso dramático entre ascetismo y lubricidad que culmina en un clímax conceptual sabiamente desquiciante».
    — Jordi Costa: El País

    «Barberian Sound Studio, más allá de su trama y su homenaje cinéfilo al giallo, funciona como una metodología meticulosa sobre la construcción poética del sonido en el cine».
    — Roger Koza: La voz del interior

    «Hacer que las películas sean -o parezcan- un todo implica la suma de cientos de pequeñas partes y la combinación de de muchos trabajos específicos. Berberian Sound Studio se toma el trabajo de deconstruir ese proceso, y, en el interín, desarmar mentalmente a su protagonista, al género y al espectador también».
    — Diego Lerer: Micropsia Cine